对音乐元素的掌握探索论文（推荐3篇）-九游会网址j9

这里给大家分享一些对音乐元素的掌握探索论文，供大家参考。感谢网友“布林线”向本站投稿了3篇与“对音乐元素的掌握探索论文”相关的素材。

篇1：对音乐元素的掌握探索论文

对音乐元素的掌握探索论文

摘要通过听觉、合唱这两种适应群体训练的 音乐 手段,培养学生对元素性音乐的敏锐感知,激发他们对 诸音乐元素不同结构的构成及运动变化产生浓厚兴趣,使他们了解这些运动变化对于表现人们的思想、抒发感情的独特功能作用;并使学生在音乐生活中能迅速 获得与音乐作品的情绪相一致的内心体验。这不同于传统单纯技术训练代替音乐 教育 的作法,是音乐教育观念 上的一个进步和突破。

关键词听觉、合唱、音乐元素、掌握

前言

音乐元素,指构成音乐 艺术 的最基本的成分,分解为音高、音色、节奏、力度、和声等。掌握音乐元素, 就是培养学生对音乐元素敏锐的感知,激发他们对诸音乐元素的不同结构的构成、运动变化产生浓厚的兴趣, 帮助他们了解这些运动变化对于表现人们的思想,抒发感情的独特功能作用,从而使学生在日后的音乐生活中 能迅速获得与音乐作品的情绪相一致的内心体验。这不同于传统的用单纯技术训练代替音乐教育的作法,是音 乐教育观念的一个进步和突破。

学生掌握音乐元素,可从以下两个方面训练着手。

1 听觉训练

音乐靠听觉感知,是一门“听觉艺术”。后天的音乐教育决定音乐才能。这一才能是先天具备,还是后天 教育的结果,曾经是一个有争议的 问题 。我认为,人的才能主要是后天受教育形成的。人们很早就开始注意到 听觉训练是音乐教育的基础工程。《乐记》谈到了人的听觉感官与音乐的关系,指出:“审声以知音,审音以 知乐……。”孟子则说:“至于声,天下期于师旷”。这两句话再好不过地道出了音乐之声的本质和本源。

我们现在的音乐教学一切活动,都应围绕培养学生敏锐的音乐听觉来进行。有效的听觉训练,能使音高、音色、节奏、力度等音乐元素很快被学生熟悉理解。

1.1建立准确的音阶感

音阶感是音准的基础,也是学生自我判断进而自学音准的重要依据之一。必须从学生日常生活引入,“自 然”地接触并熟悉音阶。

1)从do、mi、sol、入手小跳进式地开始音阶 学习:传统的音阶教学顺序是:do、re、mi、开始,到fa、sol、la、si,级进展开。实践证明,这种按表面逻辑安排的教学顺序并不符合学生接受音阶的心理。学生初学 不易唱准fa、si和级进音阶。值得推荐和实验报告表明的 方法 是从学生生活中最常听到的do、mi、sol这三个 稳定音入手,三度跳进式地开始接触音阶,写出与之相应的曲调和音程进行练习,然后逐步加入la、re、fa、si音,并采用将音阶设计为“音阶山”,根据动物的特点,(兔子的蹦蹦跳跳,乌龟的级进)内心感知音高的 准确性,从而发挥学生在听觉中的想象力。实践证明,学生学习跳进音阶比级进音级容易得多,而通过小跳音 阶的学习得到巩固,级进音阶学习的困难也就迎刃而解了。

2)在游戏中反复练习、强化音阶概念:音阶音准的.概念的建立,有赖于大量的练习得以强化。为此,需 根据学生不同年龄特点和兴趣爱好,设计一系列音乐游戏。如游戏“弹钢琴”:学生手持唱名卡片模拟琴键音 阶排列,弹琴者(师或生)击“琴键”,被击者迅速唱出相应音高并高举卡片。“琴键”音准确,则全体学生 跟唱一遍,反之则需“校音”(由弹琴者向“琴键悄悄提示或另请“琴师”校正)。若还唱不正确,则此“琴 键”需修理换新键(即换一学生)。在游戏结束时,应将换下的“琴键”再装入“琴”上试一试,如唱准了, 则表示“琴键”已修好(以此鼓励学生)。

3)设计多样听唱训练,适应各种音程变化:在记牢和唱准音阶的基础上,可进一步 发展 听觉训练。例如 :在钢琴上弹出标准音“a”,在此基础上变化弹出一组组旋律音程,如do、mi、re,mi、do、la、sol、la、do、sol、mi等,让学生模唱、分析 、听记。通过这一系列训练,学生对音阶、音高及其变化的感知会逐渐敏锐 起来并逐步发展起乐音表象能力。实验证明,这类训练的积累能产生丰富的听觉意象。贝多芬就是在耳聋的情 况下,完成了他的巨作第九交响乐。

1.2培养和形成良好的节奏感

节奏是组成音乐的核心元素之一,被称之为音乐的“骨架”。帮助学生形成了良好的节奏感,即交给了学 生把握音乐律动的钥匙。从指导学生熟悉基本节奏型入手,可采用以下方法练习。

1)采用划拍法使学生了解熟悉常见的基本节奏型。这是借鉴数学的一种理性训练方法,目的在于让学生 大体能按时值的组合较准确地击出各种节奏。

用手划拍时,口中念与不同时值相应的节奏唱名:如各种动物不同的行走和鸣叫方

2)身体动作与节奏结合,培养学生内心节奏感。一味按谱划拍易使活生生的音乐节奏学习陷入呆板。借 鉴瑞士达尔克罗兹的“体态律动”原理和节奏训练方法,引导学生使自身体动与音乐律动和谐吻合,有利于学 生用整个身心体验者音流动的“脉搏”。

在练习时,先用节奏唱名读出节奏,然后做动作与读节奏同时进行。还可听音乐,学生用身体动作将音乐 节奏表现出来。

3)引导学生利用生活中各种节奏原型,学习节奏的组合。生活中有丰富的节奏原型,学生往往未加注意 。引导学生将生活中各种节奏与音乐节奏建立联系,用“活生生”的节奏唤起学生丰富的联想,学生对音乐元 素的体验和感受将深刻亲切得多。

4)按曲调的节奏朗读歌词。曲调节奏实质上就是生活节奏和语言节奏的浓缩提炼。按曲调节奏朗读歌词 往往带来一种韵律感,使歌词的学唱就得容易,学生也可以从中体会品味掌握音乐元素带来的乐趣。

例:《粗心的小画家》

丁丁说他是 小画家,彩色铅笔一大把,

先让学生读节奏,然后用念快板的形式

5)在掌握基本节奏的基础上加进音高。单纯的节奏组合毕竟不是音乐。一旦基本节奏被学生熟悉,必须 尽早引入音高。这是节奏教学的深化,又是感知音乐元素的相互结合,发展变化的起始。

逐步发展音级,变化节奏。

通过以上精心设计的多种练习,不仅可让学生迅速熟悉理解并掌握音乐元素,而且通过掌握音乐元素的过 程成为一种快乐,课堂气氛定会十分活跃。

2 合唱训练

合唱是掌握 音乐 元素的重要途径,它一直是少年儿童最喜爱的活动之一,在教学中最易普及、最 经济 ,同 时也最美。在良好的合唱训练中,乐感这一高层次的音乐元素能够得以不断积淀形成。合唱又是一门知识性、艺术 性和技巧性很强的学科,具有很高的审美价值。合唱训练则按其艺术表现的需要,根据不同年龄的心理、生理特征,采用有效的启发和 科学 的训练相结合的 方法 才能培养学生掌握合唱发声的诸多音乐元素。

2.1掌握合唱训练中的心理和生理特点

童声训练和成人的声乐训练有许多共同之处,而且从歌唱发声的原理上来说也是基本相同的。从生理结构 上讲,少年儿童的发声机能和器官并不比成人少或多,只存在着体积上的小与大之别,以及发出的声音在音质 上的不同。无论成人还是孩童的发声,其衡量标准也是基本相同的,即正确的歌唱呼吸,良好的基音状态,谐 和共鸣,清晰的语言等等。但如果 分析 二者的思维方式却不难看出,它们尚存在着差异。成人 学习歌唱的思维 方式是以抽象逻辑思维为主,少年儿童抽象逻辑思维能力还不发达,只能以具体形象思维为主,逐步向抽象化 思维过渡 发展 。在他们抽象逻辑思维形成的初期阶段,在很大程度上仍然是以直接感性经验为主,因而具有很 大成份的具体形象性。根据少年儿童的这一特点,必须采取与成年人不同的启发方式,在启发学生歌唱发声的 内在感受和协调歌唱发声机能时采用感觉替代和意象转移的方法,启发学生逐步建立合唱发声的基本音乐元素 ,从而培养支配自己,调节自己发声机能和器官的能力。在这点上,教师的教学语言一定要简炼准确,不能太 抽象,不能超越学生的生活体验,不能急于求成。对于艺术与技术要客观、科学,对学生要民主,通过诸多的 音乐元素本身去感染学生,从而使他们在合唱中获得美的感受,具有美的鉴赏,并且产生浓厚的兴趣和坚定的 学习决心。以良好的声音状态相互感染,提供其感性认识的环境,从而避免对成人的效仿。

2.2进行必要的合唱技巧训练

歌声是运用嗓音表现人物情感体验的艺术,运用嗓音的优劣 自然 也会直接 影响 情感的表现。所以,对“如 何用嗓音”不能不加考究。因此,先解决音质 问题 ,后解决音量问题,这是一条正确的途径。坚定、积极地用 轻声歌唱,就能使少年儿童自然地体会到发声器官在歌唱时是如何协调的,就能建立正确的声音概念。而且, 这对保护少年儿童的噪音和获得轻松流畅的歌声极为重要。

1)什么是轻声歌唱?如何掌握和理解轻声歌唱的尺度?

应该说,并不存在一个固定和绝对的标准。但是,我们可以在现实生活中,找到轻声歌唱的实例。

例如:天真的幼童模仿妈妈抱着布娃娃哼唱催眠曲时的轻柔的歌声;又如当孩子一个人无意识地边走边歌 唱时,他的歌声总是轻松愉快的。如果将这样的声音用力度记号标明的话,应是mp或p,而不是mf,掌握 轻声歌唱应在mf以下的mp或p的声音力度上。

当少年儿童们学会了轻声流畅自如的头声歌唱方法后,往往同时也学会了有控制的歌唱技能。至此,孩子 们的合唱就能和谐和动听了。

2)没有正确的呼吸,不会有完美的歌唱。

脱离歌唱单独进行呼吸训练,有人赞成,有人反对。其实作为一种辅助手段,训练得当,是有益无害的。 每次排练时,先用三分钟左右的时间进行呼吸练习,长期下去,变成一种习惯,将会逐步获得显着效果。但是 由于呼吸练习不能立竿见影,往往被人忽视。

a、用“闻花”时的感觉体会歌唱的吸气;“啊;好香的花呀”!要求吸气时不耸肩,不出声。

b、用“吹肥皂泡”来训练歌唱的呼气。“肥皂泡象涌泉一样连续吹出,但当心--用力太猛会吹破。” 要求通畅均匀的把气呼出。

c、用伤心时的抽泣体会急呼吸(偷气)。此外,还有多种多样形象的要求严格的发音练习。

运用形象的比喻,从歌唱呼吸入手,是许多有经验的合唱教师常用的方法。

值得指出的是,进行嗓音训练,应注意提醒学生将所有掌握的合唱音乐元素运用于歌唱实践。

2.3有乐感的歌唱

乐感,就是对音乐有敏捷的感受和正确的理解,并把所感受所理解的 内容 充分表达出来的能力。有乐感地 歌唱,就是要求学生将已掌握的音乐元素综合运用于歌唱中,用不同力度,音色、连断,速度处理,富有感情 的歌声表现自己内心体验。这样的合唱训练,应以情为先导,紧扣感受和表现展开。

1)教师生动的引入,富有感情的范唱,并加上一些适度的表演动作,往往让学生鲜明地感受到歌曲的艺 术形象和蕴含的感情。

2)根据歌曲内容,辅之以多种多样的训练手段,如绘制放映幻灯、展示挂图,引进乐器演奏,设置场面 背景等,充分挖掘和展现歌曲的艺术意境,使学生的内心体验和理解不断得以深化。

3)编排适当的队形变化,激发学生表现欲望。培养表现能力。根据学生活泼、好动的特点,对于适宜表 演的歌曲,设计一些简单而不过份夸张的动作,创设一定的角色情节,诱发少年儿童自我表现欲望,鼓励他们 在做动作和表演的过程中淋漓尽致地表现自我体验,并在相互影响和启迪中逐渐把握住对自我表现的分寸感。 结语

培养学生掌握音乐元素是一个长期、系统的基础工程。途径和方法可以是各种各样的。在这个领域,最需 要音乐 教育 工作者发挥自己丰富的想象力,施展全部的聪明才智,进行创造性劳动,以达到全面提高学生音乐 文化素质这一目的

篇2：对《放牛班春天》中的音乐元素赏析论文

对《放牛班春天》中的音乐元素赏析论文

摘 要：音乐总是像一个动感的精灵一样为我们的生活带来多姿多彩的力量，在电影《放牛班的春天》里以音乐的形式将师生之间的感情巧妙的串联在一起，在这个孤独的唱诗班里每个人都有着与众不同的故事，但是在新教师马修的指导之下他们的音乐世界充满了无限的魅力。很多时候人与人之间的误会是难以用言语来解除的，但是在这些孩子天籁般的歌声当中一切的忧愁和烦恼都消散的无影无踪。

关键词：音乐；电影；师生之间；唱诗班；天籁般

一、魔鬼在春天里的歌唱

电影《放牛班的春天》的剧情以当代著名指挥家皮埃尔・莫安琦的回忆为主要线索，在一次偶然的机会中他得到了儿时唱诗班同学送来的一本日记，原来这本日记正是他得启蒙教师马修记录他们之间在唱诗班的学习生活。皮埃尔・莫安琦看着这本日记中的文字回忆也渐渐像放电影一般出现在他得脑海里，那是的他是一个自闭问题少年所以被母亲送去寄宿院校，而这所院校里的学生大部分和他一样都是问题少年，这样孤独偏激的学校生活让皮埃尔・莫安琦自己感到更加的不舒服。但是一个新老师的到老改变了他们的生活，这位新教师便是马修，才华横溢的马修在当时的法国并没有得到很大的发展，所以转行到乡村当一所寄宿学校的教师，对于校长残暴的体罚手段来管束学生马修很不能认同，性格安逸的马修在管教学生之余会自己创作一些音乐作品，在一段时间过后他惊奇的发现在这所学校里居然没有音乐这门课程，这让热爱音乐的马修很不能接受，面对这样一群难缠的学生马修老师的授课并非特别顺利，但是他经过对学生性格的个个击破也研究出一套适合他们的教学方案，唱诗班就在这样的环境下诞生了。在唱诗班成立之初确实需要面对很多问题，尤其是和学生的交流，但是不久之后马修便发现这里的孩子有着天才般的音乐才华，他们同样热爱音乐，在音乐的世界里他们变成了一个个听话懂事[文秘站：]的孩子，于是一曲曲天籁般的歌声也在这个小小的教室里诞生。在这个过程当中马修也发掘了皮埃尔・莫安琦的才华，这个拥有天使面孔魔鬼心灵的孩子在起初阶段经常会在马修的课堂上捣乱，但是马修最终以音乐打开了皮埃尔・莫安琦的心扉，他们之间微妙的关系也渐渐形成。故事的最后校长去领受伯爵夫人授予的.荣誉，开会去了。马修决定带着放牛班去野游，这一举动使他丢掉了职位，使放牛班的短暂的春天毫无预兆的“夭折”了，却幸运的使放牛班所有成员逃脱孟丹放火烧校舍火灾一劫。所有的孩子都能在阳光里回来。回到自己的春天。

二、天籁般的童声演绎

电影以柔和的笔触，描绘了一个社会地位普通，谦卑而且充满爱和宽容的人，马修的不是神其实只是一个普通的个体，但是在法国电影的独特魅力中，他就是神一样的人。正如法国人i卫法语的决心一样，法国电影没有了技术上的华丽包装，反倒能从深处去挖掘人性深处的零零碎碎，而将它们表现的情真意切就更是法国电影人持之以恒所追求的东西了。

《放牛班的春天》是一部用音乐贯穿始终且随处散发着温情的“阳光情感电影”，影片中布鲁诺・古莱与保加利亚交响管弦乐团以优美动人的钢琴、和谐的交响乐，搭配影片中孩子们真挚深情的合唱，将电影音乐的温情感受和来自童真心灵天籁般的歌声融合在一起，不仅给全世界的观众以心理的震撼，更是一种天使般的笑容。音乐作为电影的主要载体，通过音乐家马修的在这所寄宿学校的教学过程中的一些故事，诠释出音乐的美妙，也许是出于对孩子们的喜爱，马修待在这样一个地方似乎也并不显得有多么的落寞。电影犹如诗和音乐的灵魂附体，在音乐和诗的交融对话中演绎男孩们纯洁善良的心。电影中最重要也是最触动人心的四段音乐开篇音乐、转到回忆时的背景音乐、组建合唱团时孩子们的独唱及他们在公爵夫人面前的演出，具有托马斯。艾略特的《四个四重奏》的诗的意境，把电影、音乐、诗融为一体。

音乐是沟通的语言，超越年龄超越阶层超越国界。马修打算用音乐去感染这帮学生，而这些学生们似乎也都天生具备了这样的能力，集合成团的力量让他们的合声显得如此的悠扬，没有坏学生，只有坏老师，这句话是对的。老师的责任不只是培养学生得到好的成绩，因材施教，让每个学生都得到自己好的发展也许才是为人之师最应该做的。所以，电影中的克莱蒙特是优秀的，他乐天知命不妄自菲薄也不狂妄自大，他用满腔的热情和一身的才华让这帮学生终于有所习得。虽然影片的结局是美好的，但克莱蒙特感化这帮学生的过程并不容易，最激烈的冲突就发生在一个叫皮埃尔的身上，他处处反抗，抵制音乐，但对于伯乐克莱蒙特来说，这匹千里马是难得的。所以尽管异常辛苦，他仍然用自己的大爱去感化着这个青年，当影片中领导视察学校时，皮埃尔的天籁之音响起，克莱蒙特终于实现了自己想做到的事情。

三、结论

《放牛班的春天》最为让观众动容的仍然是剧中师生之间甜蜜的情感，当克莱蒙特老师在片尾离开这所池塘之底的学校时，学生们的恋恋不舍，克莱蒙特的牵挂，都让整部影片回味悠长。而专门为本片打造的音乐，则更是让《放牛班的春天》冲出了法国，用天使般的孩童之音荡涤所有人的心灵。冬日午后，伴着一杯热茶，听着这些美妙的音乐，每个人都应感慨生活的美好。

参考文献：

[1]汤胜方。美妙的和谐―――影片《放牛班的春天》中的合唱[j]。艺术探索，200，（03）。

[2]钱苑。沸腾的生活激扬的歌声―――金玉声的合唱曲《青山里田野大丰收》[j]。音乐爱好者，1980，（01）。

[3]张烨。关于诗歌创作的三个过程―――兼谈《世纪之屠》、《奥斯威辛之歌》（长诗）的创作[j]。上海大学学报（社会科学版），，（05）。

[4]周玉娟。关于高师合唱教学激发情感体验问题探讨―――《音乐课程标准》的启示[j]。红河学院学报，，（01）。

[5]唐碧蓉。“钢琴”与“诗人”的天才融会：论对肖邦钢琴作品的理解[j]。西南师范大学学报（人文社会科学版），，（03）。

篇3：对数字音乐中制作技巧探索论文

对数字音乐中制作技巧探索论文

在我们了解了人声的频率点之后，对于有些初学者来说就会开始盲目的进行混音，但是在你混音期间你就会发现各种问题，如：混响的应用、eq的调节、还有人声的激励等等一大堆问题，所以当我们到了这一部是应该对我们要使用到的效果器进行了解。谈到混响效果器它里面包含的无非是：延时效果（delayeffects）、回旋（flanging）、合唱（chorusing）、回声（echo）。立体声模拟（simulation）等大家看似就这几个效果，但是就某一种效果它里面的参数就有上千种，所以我们一定不能大意效果器的应用。延时效果器是将输入的信号录制储存到数字化的内存当中，然后经过一段短暂的时间之后再将输入的信号读出来。早期的反射（carlyreflectionslevel）：早期反射是一种离散的间隔非常短的回声。我们想像一下当声音发出去时，先碰到桌子、墙、玻璃等等，而产生的第一波的反射音这就是早期反射，早期反射的单位是毫秒，这个参数的问题的不大的，因为人耳的听觉很难辨别清楚。

回旋效果器是当声音通过振动在后期产生的回声，例如我们在一个空旷的楼道喊一声，会听到越来越模糊的声音不停的在回荡这就是回旋。预延迟（predelay）参数：是有房间中第一组反射频率或混响声开始的时间，我们通常把他设置在100毫秒之内，一个较长的预延迟时间将给你一种非常巨大的空间感觉。衰减时间（drlaytime）参数：该混响是处理声音尾部所听不到的声音的时间，这个频率段的时间设置可以根据房间的特性、大小来设定。eq就是我们混音时用到的压缩效果器，在混音实际操作中可以根据具体的声音特点来调节eq的参数，下面是eq的一些参数：

1、话筒干：eq中频量不够；解决方法提升800hz；

2、低频太硬：衰减125―160hz；3。低音散：低音下限能量太大，提高下限频率；

4、低音混：低频中心频率能量过强，衰减60―80hz；

5、声音炸：中高频能量过强；衰减2k―4khz；

6、声音刺耳：高频能量过强；衰减6khz；7。声音单薄：中低频能量不足；提升2khz；

8、声音发毛：超高频能量过强；衰减1k―16khz；

9、后期制作当我们拿到已经采集好的工程，其中旋律带有的属性很可能会影响混音过程。例如，当我们拿到一段旋律是这首歌的主要元素，我们就应该想想如何把它摆的前面一点（声音大点），然后多给它加点混响（dealy）或者增益，当旋律特别密集时，最好少加混响，可以适当的把声音调大一点，让人能够清晰地听到那些一闪而过的细节。在一首歌曲中和声的特点和其溶于歌曲的方式也会影响一首歌曲的.制作方法。和声的声部数量和和弦结构都是决定处理方法的重要元素。

例如声部越多，在处理的时候就应该做声向方面的调整，应该使其分散，同样，如果只有一个和声声部的话，也不能摆放的极左或者极右。和声演绎的和弦不同，摆放的位置也不同，一个不谐和的声部通常会往后摆，当然，如果是一个特别柔美、抒情的声部，我们就要使用立体声把它扩展加宽，使其更加饱满。但是音量适当还是要小一点，因为毕竟是和声声部。语言内容（例如歌词）也是制作与混音过程中的重要参考物，歌词内容的影响力主要要把握混音的整理方面。例如有些歌词我们就要给它做一些特效来配合整首歌曲的情感。如果歌词是我们生活边缘的，我们就要把它放的近一点，真实一点。总之，我们混音的目的是作品的完美，真实，能够体现作品内容，这是混音要切记的。当一首作品处理到这个时候，已经有了一个大概的形状，这一步要做的就是听与进行细调（均衡器、电频、立体声位置、效果器通道）。把音频放到各种耳机和音响上面去听，并且用立体声与单声道交换进行试听，同时还要实验大音量播放和小音量播放之间有什么不同。因为声音入耳的频率是根据音量的改变而改变的（在音量较低时，我们所听到的高频和低频会较少，中频会较多一点），如果我们不把音乐放到各种音量大小的坏境中进行监听的话，就会导致中、高、低频不协调，或者是我们的作品是针对某一特殊环境而做的，我们就该把音乐在这个特定的环境当中去试听，使音乐能够达到最完美的状态。混音进行到现在，你会觉得自己已经筋疲力尽、疲惫不堪，接下来是该款待一下自己的时候了，因为在前期的采集与制作当中你完全是在找毛病并进行修改，并没有去用一个听众的心态去欣赏这个作品。现在，仅仅是去听音乐、去欣赏他的优点，这时你对音乐的看法我想会更进一个层次、会有另一番趣味。

一首音乐的制作过程，就如同一次人生经历，期间有人世间的悲、欢、离、合各种情感的变化。同时在音乐处理的每一个情感细节与强弱对比时都需要制作人用心去体会去分析并进行处理。所以对于一名优秀的数字音乐工作者的要求也是越来越高，这也是目前市场上数字音乐工作人员缺少的原因。